Chanel y los collares
la joya que se convirtió en lenguaje

Coco Chanel Portrait

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Viendo en mi casa una película sobre la vida de Chanel, noté cómo los collares cobraban mucho protagonismo. De ahí surgió la idea de hacer este post sobre por qué este accesorio era tan importante en su vida y marcó su personalidad.

Cuando pensamos en Chanel, casi siempre pensamos primero en el traje de tweed o en el vestido negro, pero hay un elemento que atraviesa toda la historia de la maison de forma igual de constante: el collar.

Coco Chanel no llevaba joyas para complementar un look; las llevaba para construirlo.

Estos son los códigos que definen esa relación:

Perlas: uno de sus grandes símbolos personales.

Collares largos y superpuestos: varias vueltas para crear volumen.

Cadenas doradas: especialmente asociadas a su estética.

Joyería de fantasía: fundamental para democratizar el lujo.

Contraste: perlas con tweed, vestidos negros o prendas sencillas.

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¿Por qué le fascinaban tanto las perlas?

"Las perlas de Chanel:

 de regalo íntimo a emblema de estilo,

                                                                     sobre el fondo blanco y negro de un convento"

Chanel empezó a acumular perlas y joyas por la vía más tradicional de su época: como regalos de sus amantes aristócratas, entre ellos el Gran Duque Dmitri Pavlovich de Rusia y el Duque de Westminster. Con el tiempo, dio un giro que resultó revolucionario: en lugar de guardar esas piezas como simple patrimonio personal, las tomó como punto de partida creativo. Encargó al duque Fulco di Verdura reimaginar los engastes de esas joyas, dando origen a lo que se convertiría en la joyería característica de la Casa Chanel. Es decir: lo que había empezado como regalos privados de amantes terminó convertido en materia prima de su negocio.

Verdura Fine Jewelry | New York
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Hay también una segunda lectura, más silenciosa, que varias biógrafas señalan al hablar de su infancia. Chanel se crio en el orfanato-convento de Aubazine, en un entorno de austeridad casi total: muros blancos, hábitos negros y blancos y disciplina estricta. Esa paleta de origen blanco, negro, líneas limpias y ausencia de adorno son, según esta interpretación, exactamente el fondo sobre el que después decidió hacer brillar sus perlas por puro contraste. No es casualidad que su joyería funcionara mejor sobre un vestido negro sencillo que sobre un vestido ya recargado.

Fuentes:

Sobre Fulco di Verdura y las joyas de Chanel:

AnOther Magazine "The Unlikely Friendship Behind One of Chanel's Most Enduring Pieces" (anothermag.com)

Wikipedia "Verdura (jeweler)" (en.wikipedia.org)

The Jewellery Editor "A look at Fulco de Verdura's design collaborations with Chanel and Dali" (thejewelleryeditor.com)

Verdura.com "TheFulco di Verdura Story (verdura.com/pages/the-story)

Sobre Aubazine y la infancia de Chanel:

National Catholic Register "Did Monastic Life Inspire the Little Black Dress?" (ncregister.com)

TIME  "Coco Chanel's Fascination With Fashion Started Early in Life" (time.com)

Britannica "Coco Chanel | Biography, Fashion, Designs..." (britannica.com)

Malay Mail sobre el desfile de Chanel 2020 inspirado en Aubazine (malaymail.com) 

lo que conserva el Victoria & Albert Museum

El Victoria & Albert Museum de Londres conserva piezas originales de Chanel en su colección permanente y explica el proceso creativo detrás de ellas. Según el propio museo, buena parte de esas piezas corresponde al periodo de posguerra de Gabrielle Chanel, realizadas junto al orfebre Robert Goossens. Ambos encontraron una inspiración común en las antigüedades enjoyadas de Venecia, Bizancio, Persia y el mundo celta, que estudiaban en museos y libros. 

En 2023, el V&A fue más allá y dedicó a la diseñadora su primera gran retrospectiva en Reino Unido: Gabrielle Chanel “Fashion Manifesto”, una exposición que recorrió la evolución de su estilo desde 1910 hasta su última colección en 1971, incluyendo joyería, accesorios y perfumes y que visité durante mi estancia en el Reino Unido ese año.

Fuentes

Victoria & Albert Museum  "What makes CHANEL so iconic?"

Maxwell Museums  cobertura de *Gabrielle Chanel. Fashion Manifesto*, V&A 

 

El orfebre detrás de los collares

"Robert Goossen

 el joyero que le dio forma al estilo Chanel"

                                  

Si hay un relato que explica cómo se construían físicamente los collares de Chanel, es este.

Robert Goossens llevaba ya un tiempo colaborando, en la sombra, con Degorce, el proveedor de joyería habitual de la maison; pero, cuando este murió en 1957, la asistente de Chanel decidió convocar a Goossens directamente. Se cruzaron por primera vez en un pasillo. Él se presentó. Ella lo miró y respondió con una frase que resume toda su exigencia profesional: "Confío en los verdaderos profesionales". 

Ese encuentro marcó el inicio de una colaboración que se prolongaría, ya sin interrupciones, hasta la muerte de Gabrielle Chanel.

De ese vínculo nacieron algunas de las piezas más reconocibles de la maison: los grandes colgantes de cruz bizantina y los sautoirs de perlas y cadenas en capas múltiples, exactamente el tipo de collar largo y superpuesto que hoy asociamos de inmediato con el estilo Chanel.

Fuentes

Maison Rapin perfil de Robert Goossens

El collar como parte del vestido

Aquí está lo más interesante desde el punto de vista del diseño:

Chanel no utilizaba el collar simplemente como complemento. Lo utilizaba para construir el conjunto.

Un vestido negro sencillo podía transformarse por completo con varias vueltas de perlas. El collar aportaba movimiento, volumen y luz alrededor del rostro, algo que la tela no lograba por sí sola. Por eso, al analizar una imagen de Chanel, las perlas no deberían entenderse solo como "un accesorio": pueden leerse como parte de su lenguaje visual, al mismo nivel que un corte de manga o la caída de una falda.

Esto ayuda a explicar algo de la Chanel actual.

La combinación de perlas, cadenas, dorado, negro y tweed se convirtió en uno de los códigos más reconocibles de la maison, recuperado temporada tras temporada desde Coco Chanel hasta la era actual de Matthieu Blazy, pasando por Karl Lagerfeld (1983-2019) y Virginie Viard (2019-2024), quienes reinterpretaron estos elementos de forma constante a lo largo de más de cuatro décadas.

Karl Lagerfeld

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Chanel | Virginie Viard Runway Look
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chanel spring/summer 2026 by mathieu blazy - détails

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Dicho de otra forma: Chanel logró algo poco común en la historia de la moda. Convirtió un accesorio en un código de identidad.

SUS FRASES

Más allá de la interpretación, la propia Chanel dejó frases que funcionan casi como manifiesto de esta filosofía:

"La joyería no se hace para darles a las mujeres un aura de riqueza, sino para hacerlas más hermosas." 

En el fondo, esta es la idea central de todo lo anterior contada con sus propias palabras: para Chanel, la joyería no tenía que demostrar cuánto dinero tenía una mujer, sino expresar su personalidad y su estilo.

 Sobre las perlas en concreto:

"Una mujer necesita cuerdas y cuerdas de perlas." 

Y sobre su defensa de la bisutería frente a la joyería fina:

"La bisutería no está hecha para dar a las mujeres un aura de riqueza, sino para hacerlas hermosas."

Fuentes

Frases333 recopilatorio de citas de Coco Chanel

Cómo unas zapatillas de satén 

cambió la moda 
y la danza

Estaba en mi clase de pilates cuando las vi. Sobre el banco del vestuario, descansaban un par de zapatillas de ballet. Pertenecían a alguien de la clase de ballet que se da en el mismo centro. No sé por qué, pero me detuve a mirarlas. De ahí nace este artículo: de la curiosidad de entender qué hay detrás de estas zapatillas de satén y qué historia encierran.

La zapatilla de ballet nació en los escenarios del siglo XIX con un propósito muy concreto: crear la ilusión de que una bailarina podía flotar. Dos siglos después, esa estética ha conquistado las pasarelas, el street style y la cultura popular. Para entender ese viaje, hay que volver al principio.                                                                                                                                                                

 "Dos siglos de perfeccionamiento artesanal 
y su reinvención 
en la moda contemporánea"

I. El ballet antes de las puntas

El ballet nació en las cortes italianas del Renacimiento y viajó a Francia. Fue Luis XIV quien lo institucionalizó definitivamente: en marzo de 1661 fundó la Académie Royale de Danse en París, la primera institución de danza del mundo occidental. El rey, bailarín activo en su juventud y conocido por su papel del Sol en Le Ballet de la Nuit (1653), encargó a trece maestros de danza la tarea de codificar y perfeccionar el arte.¹

Durante los primeros siglos, el ballet era cosa de tacones y corsés. Los bailarines usaban zapatos con alzas similares a los del calzado aristocrático de la época. Este cambio fue gradual: a lo largo del siglo XVIII y con mayor impulso tras la Revolución Francesa, los tacones fueron desapareciendo del escenario.² En su lugar, llegaron zapatillas planas de satén sujetas con cintas, predecesoras directas de las puntas modernas, que, por primera vez, permitían saltar, girar y extender el pie en toda su amplitud. Fue en esas zapatillas planas donde empezó, inadvertidamente, la larga marcha hacia las puntas.³

Fuentes:
¹ Encyclopaedia Britannica, entrada "Académie Royale de Danse"; Oxford Reference; Lincoln Kirstein, Movement & Metaphor: Four Centuries of Ballet (Praeger Publishers, 1970).
² Jennifer Homans, Apollo's Angels: A History of Ballet (Random House, 2010); Lincoln Kirstein, Movement & Metaphor: Four Centuries of Ballet (Praeger Publishers, 1970).
³ Ivor Guest, The Romantic Ballet in Paris (Pitman, 1966); Jennifer Homans, Apollo's Angels: A History of Ballet (Random House, 2010).

II. Cronología

• 1796 Londres, King's Theatre

El coreógrafo francés Charles-Louis Didelot estrenó Flore et Zéphire en el King's Theatre de Londres. Para crear una sensación de ingravidez, desarrolló un "sistema de vuelo" o "flying machinery": un sistema de cables y arneses que elevaban a los bailarines y les permitía rozar brevemente el suelo sobre las puntas. Aunque los bailarines no sostenían realmente su peso sobre los dedos, el efecto visual popularizó la idea de ligereza y elevación que más tarde caracterizaría al ballet clásico.

Fuentes:
Mary Grace Swift, A Loftier Flight: The Life and Accomplishments of Charles-Louis Didelot (Wesleyan University Press, 1974); Oxford Reference, "Charles-Louis Didelot".

• 1832 París, Ópera de París

El 12 de marzo de 1832, Marie Taglioni protagonizó La Sylphide, coreografiada por su padre, Filippo Taglioni. La obra marcó el inicio del ballet romántico y convirtió el trabajo en puntas en un elemento esencial de la expresión escénica. Las zapatillas que usó Taglioni eran simples zapatillas de satén con suela de cuero, reforzadas mediante costuras a mano en los lados y la punta para mantener su forma, y sujetas al tobillo con cintas. Carecían de soporte interior, por lo que la bailarina acolchaba sus dedos para protegerlos y dependía de la fortaleza de sus pies y tobillos.  

Museo Victoria y Alberto, Londres
Litografía coloreada a mano de  Alfred Edward Chalon

  

Fuentes: 
Ivor Guest, The Romantic Ballet in Paris (Pitman, 1966); Encyclopaedia Britannica, "Paris Opéra Ballet"; Wikipedia, "Pointe shoe" y "La Sylphide"; Pointe Magazine, "The History of Pointe Shoes"(2020); History Cooperative, "The History of the Pointe Shoe" (2024).

• Década de 1880  Italia y Rusia Imperial.

Las bailarinas italianas, entre ellas Pierina Legnani, contribuyeron al desarrollo de zapatillas con una caja reforzada y una plataforma plana en la punta. Estas innovaciones, resultado de una evolución gradual y colectiva, permitieron una técnica más virtuosa y estable. Su influencia llegó a Rusia, donde el coreógrafo Marius Petipa sistematizó y elevó el trabajo en puntas, convirtiéndolo en un elemento fundamental del ballet clásico.

Fuentes:

Minden, Eliza Gaynor. The Ballet Companion. Fireside, 2005.

"The History of the Pointe Shoe". Pointe Magazine, 2020.

• Principios del siglo XX Rusia

Anna Pavlova (1881–1931) introdujo modificaciones en sus zapatillas de punta para adaptarlas a la forma de sus pies, reforzando la suela y endureciendo la caja. Aunque estas mejoras fueron criticadas por algunos contemporáneos, terminaron convirtiéndose en la base del diseño moderno de las zapatillas de punta.

Fuentes: 
Money, K. (1982). Anna Pavlova: Her Life and Art. Knopf.

Cómo se hacen las zapatillas

La fabricación de las zapatillas de punta es un proceso artesanal que requiere alrededor de cincuenta operaciones manuales por unidad. Aunque incorporan numerosos componentes, no existe consenso sobre el número exacto de piezas que las forman. Pese al tiempo y la habilidad necesarios para fabricarlas, pueden desgastarse en una sola actuación: instrumentos de precisión tan sofisticados como efímeros.

Si bien tradicionalmente se han elaborado con cartón, tela y cola, los avances tecnológicos han permitido desarrollar modelos sintéticos más duraderos. Aun así, muchas bailarinas continúan prefiriendo las versiones clásicas por su respuesta táctil.                                         

Feel like Dancing

"La fabricación de zapatillas de ballet

 se consideraba uno de los procesos 

más complejos y meticulosos

 en la elaboración del calzado"    

                                                                            

De la escena a la calle: el fenómeno balletcore
La estética del ballet y la moda

La estética del ballet lleva décadas filtrándose en la industria de la moda, pero fue a partir de 2022 cuando el movimiento "Balletcore" comenzó a ganar impulso con faldas de tul, tonos suaves y bailarinas como piezas cotidianas. En 2024 y 2025, la explosión fue total.

Casas como Miu Miu, Simone Rocha, Ferragamo, Dior y Valentino lideraron la tendencia en pasarelas, reimaginando la estética clásica con detalles modernos: correas cruzadas, acabados metalizados y texturas satinadas. Dior, de hecho, llevó esta fusión más allá del desfile: su directora artística Maria Grazia Chiuri diseñó el vestuario de los 16 bailarines de La Nuit Blanche, un ballet celebrado en 2019 en el Teatro de la Ópera de Roma entre el 29 de marzo y el 2 de abril en homenaje al músico y compositor estadounidense Philip Glass, demostrando que la relación entre moda y danza es mucho más que una tendencia pasajera.

Foto: Paola Mattioli

La tendencia se constituye en tres grandes familias:

• Bailarinas clásicas. Planas, de satén o cuero, con cinta al tobillo. Un básico de temporada que nunca desaparece.

Monpiel

• Ballet sneakers. La fusión más viral de 2024–2025: suela deportiva con estética de bailarina. Simone Rocha y la colaboración Sandy Liang × Salomon figuran entre sus principales impulsoras.

• Calzado de colección. La versión más exclusiva de la tendencia: materiales como ante, satén y cuero metalizado trabajados con acabado artesanal y a precio de lujo.

En la primavera de 2026, las bailarinas siguen siendo una de las piezas más buscadas de temporada. Su éxito tiene una explicación sencilla: son cómodas, son planas y llevan consigo toda la carga estética del ballet: elegancia, ligereza y feminidad.

De puntillas hasta la calle

De los arneses del siglo XVIII al street style de 2026 y de las zapatillas de satén cosidas a mano a las ballet sneakers de diseñador, la historia de este calzado es, en el fondo, la historia de cómo la belleza funcional siempre termina encontrando su camino hacia la cultura.

Las grandes casas de zapatillas de ballet

Las marcas más reconocidas de zapatillas de ballet abarcan más de un siglo de historia.

Capezio (Nueva York, 1887) es la más antigua. Freed of London (1929) y Bloch (Australia, 1932) consolidaron la artesanía anglosajona, mientras que Repetto (París, 1947) se convirtió en referente francés.

En Rusia destacan dos marcas: Grishko, empresa familiar fundada en Moscú en 1988, y Russian Pointe, surgida de los propios talleres del Teatro Bolshoi con un origen directamente ligado a la élite del ballet ruso. Ambas abastecen al Bolshoi (Moscú) y el Mariinsky (San Petersburgo), los dos teatros de ballet más prestigiosos del país, con compañías de fama mundial y siglos de historia.

La más reciente, Gaynor Minden (EE. UU., 1993), destaca por usar materiales sintéticos de mayor durabilidad.

 

PILLBOX HAT
El sombrero casquete, tendencia primavera-verano 2026

Imagen Zara

El pillbox hat, o sombrero casquete, se consolida como uno de los accesorios para la primavera-verano 2026, reinterpretando un clásico con un enfoque más actual. 

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Popularizado en los años 60 como símbolo de elegancia atemporal, gracias a Jacqueline Kennedy, hoy reaparece con una estética renovada que encaja perfectamente en la tendencia del lujo silencioso: líneas limpias, diseño estructural y sofisticación sin excesos.

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Kate Middleton ha llevado el pillbox hat en eventos oficiales, manteniendo la tradición real pero con un toque más actual y versátil.

@ kate.princessofwales / instagram

DEL EVENTO AL STREET STYLE

El pillbox demuestra una versatilidad inesperada:

Ya no pertenece exclusivamente a bodas, bautizos o actos protocolarios. También, se integra en estilismos urbanos, elevando looks cotidianos, aportando un toque muy chic.

Se puede combinar con vestidos de lino, trajes sastre, conjuntos monocromáticos y también con jeans para un look más casual.

Comenzó a tomar fuerza a finales de 2025 en la Copenhague Fashion Week, donde el estilo escandinavo lo incorporó de forma natural en looks cotidianos. Desde entonces, ha evolucionado en materiales, sustituyendo los tejidos tradicionales como la lana o el fieltro por opciones más ligeras y veraniegas como la rafia, la paja o el crochet, adaptándose así a climas cálidos sin perder su esencia refinada.       

Imagenes de Vogue Netherlands

CÓMO LLEVARLO Y QUE QUEDE PERFECTO          

•  Usar horquillas (bobby pins)

Colocar las horquillas en los bordes del pillbox, atravesando también el cabello para que quede fijado. Para mayor seguridad, hazlo en forma de “X” con dos horquillas cruzadas.

• Cinta o elástico interno

Algunos pillbox llevan una cinta elástica fina elastica que se ajusta por detrás de la cabeza, asegurando la sujeción de forma estética. 

• Peineta dentro del pillbox

Algunas versiones incluyen un pequeño soporte en su interior. Si no tiene, puedes coser o pegar una peineta pequeña dentro del borde del sombrero. La peineta se inserta en el cabello, sujetando el sombrero firmemente en la cabeza sin que se mueva.

Funciona especialmente bien con moños bajos o coletas. Esto mantiene el sombrero fijo y elegante sin necesidad de horquillas visibles.

En definitiva, el pillbox no es solo una tendencia, sino una declaración de estilo. Una pieza que conecta pasado y presente, elevando cualquier look de forma elegante, pero con un toque moderno.

¿Incorporarías el pillbox hat a tu armario y a tus looks esta temporada?

 Vivas Carrión
       El arte de convertir el sombrero en identidad y creatividad atemporal.

Mi visita a la tienda de Felipe Vivas y Manuel Carión, creadores de la firma Vivas Carrión Art Milliners, artistas que no sólo realizan sombreros, crean maravillas que adornan nuestras cabezas, aportándonos belleza y personalidad. 

Con más de dos décadas en el oficio, sus creaciones han desfilado en París, han aparecido en Netflix y han sido llevadas por  celebridades y musas de la moda.

Os dejo la entrevista que les hice, donde abordamos varios temas, como sus diseños, su historia y su participación en la moda, entre otros.

¿Cómo nace Vivas Carrión y como os adentrasteis en el diseño del sombrero?

Hace 20 o 30 años decidimos aunar nuestra expresión artística, ya que yo pintaba cuadros y Manuel dibujaba también, y enfocarla al mundo de la moda. No nos apetecía hacer vestidos, decidimos hacer sombreros. De ahí no salió Vivas Carrion; en un principio, éramos Torentino, pero, con el tiempo, lo cambiamos y nos quedamos con nuestros apellidos. Así surgió nuestra firma, donde quisimos aunar el arte y la moda y con la que tener algo que nos complaciera a los dos y que gustara a la gente, por supuesto.

¿Qué significa para vosotros el sombrero: moda o identidad?  

Para nosotros el sombrero hace referencia más a lo que es la identidad. Cada sombrero o tocado va dirigido a un tipo de persona. La personalidad de cada uno define el sombrero que llevaría. Por otro lado, no somos esclavos de la moda. No nos gusta seguir las tendencias en sí. Nos gusta que la obra valga para siempre. Es decir, que sea atemporal. 

  El sombrero nos define como marca, pero es el estilo del sombrero y la forma de trabajar que tenemos lo que nos ha marcado un estilo propio y lo que nos define. 

Viniendo del mundo del arte y de la moda (porque siempre hicimos cosas para la moda, como hemos dicho anteriormente), el resultado es el estilo propio.

  

                                                        Por otro lado, el sombrero nace como una necesidad para cubrirte del sol y protegerte del frío que, con el tiempo, va cambiando, por el tema de las modas.

¿Cómo comienza el proceso de creación de una pieza? 

El proceso de creación de una pieza empieza con una idea que la sacamos inspirándonos desde cualquier objeto hasta la naturaleza. La idea que nace de la inspiración se plasma en el papel y luego se van viendo los materiales que se van a utilizar, el color.. Intercambiamos ideas entre nosotros, aunque algunas veces fluyen mejor, otras no tanto. Somos dos creativos que funcionamos igual, pero siempre hay pequeñas diferencias. En el boceto aunamos todas las vivencias que hemos tenido, la cultura que hemos adquirido y lo ponemos en común para acabar haciendo una ingeniería de la pieza en el boceto, que es lo que nadie ve, como se construye o deconstruye para crear una armonía y un ritmo, siendo la base de todo. Luego, también, tenemos que tener en cuenta los materiales, si es verano o invierno se utilizaran unos u otros. Por ejemplo, en invierno se utiliza el fieltro y en verano la rafia y cuerdas. En definitiva, hay que tener en cuenta muchas cosas a la hora de crear. No somos esclavos de la moda a la hora de crear. 

¿Qué sello tienen vuestros diseños y en qué os inspiráis?  

El sello es la temporalidad, primero, y luego la vanguardia. Aunque utilicemos elementos nobles, como por ejemplo en moda la seda o en sombrerería la cuerda o la rafia, no estamos coartados a la hora de utilizar elementos de plástico u otros.

Como venimos del mundo de las artes, lo primero que te enseñan en Bellas Artes es que cualquier elemento es válido para expresarte. Partiendo de esa premisa, nosotros la llevamos a límites insospechables.

Cuando creáis una colección o cualquier sombrero para un cliente o clienta, ¿Qué es lo primero en lo que pensáis: la forma que va ha tener, en el material, la historia...?

Es diferente si el cliente es un diseñador o si el cliente es una señora. Si el cliente es un diseñador nos tenemos que ceñir a la idea  y al concepto de su colección. Si es una señora tenemos que empatizar con ella y hablar antes de ofrecerle nada. En definitiva, ver que posicionamiento tiene socialmente y para que evento es (para una carrera de caballos, para una boda, para un cóctel..). Todo influye en las decisiones que tomamos respecto al producto que le vamos a ofrecer. Después, sobre lo que han elegido, se hacen tres bocetos y a los diseñadores también. Trabajamos para la gente con pasión. La clave para la mujer es el ovalo facial. Según tenga el óvalo se le ofrecerá una pieza u otra. Es jugar con la estética para que te favorezca. Hay que tener presente las  tendencias, pero no hay que ser esclavo de ellas. Si no, tu sello se rompe y eres uno más, como todos.  

¿Qué lugar creéis que ocupa el sombrero en nuestra cultura?     

En nuestra cultura andaluza tiene un puesto importante. Tenemos el sombrero cordobés, el sombrero sevillano, el calañés, el catite. Tenemos muchos sombreros tradicionales por la península (copa en Madrid, boina de los chulapos...) Tenemos en España mucha riqueza y lo bueno que tenemos es que los utilizamos en nuestras fiestas regionales, en nuestras ferias y en las semanas grandes. También, los diseñadores. Hoy por hoy, no solo nosotros, sino todos los sombrereros se están volviendo a inspirar en sombreros como el de Montehermoso extremeño, en el cordobés que Dior ha venido a sacarlo cuando ya lo tenemos nosotros hechos en bordado o en piel, de muchas maneras. Por ejemplo, hemos realizado una versión del cordobés XL. También, para Juana Martin hemos hecho oversize tremendos de todos los materiales, porque para Juana hemos hecho de todo. 

Tenemos muy presente la tradición, la cogemos y le damos un giro.

¿Con qué diseñadores de alta costura habéis colaborado? ¿Como ha sido la experiencia?

Bastantes, pero primero vamos hablar de los españoles. Nuestra queridísima Juana, que es la primera mujer que ha llegado a la alta costura, que es un comité muy selecto. Juana es nuestro icono. Después, hemos trabajado con Jean Paul Gautier, para el anuncio de Scandal. También, colaboramos con él en el Freak Show, donde Rossy de Palma sale en el cierre con una palmera gigantesca. Además, hemos hecho cosas para Thierry Mugler, para Palomo Spain para Nueva York y hemos ido con él a Paris dos o tres veces. Después hemos trabajado para celebreties como Madonna y Kim Kardashian. En España, hemos realizado diseños para Naty Abascal, que es nuestra musa, para Patricia Rato, para Agatha Ruiz de la Prada. Hemos trabajado con muchas.

¿Cuál ha sido el encargo que ha supuesto un gran reto en su realización?  ¿Qué sombrero recordáis o fue especial para vosotros?

Ha sido diferente para cada uno. Para mi "comenta Manuel" el desfile de Wunderkammer que nos encargó Palomo, porque hicimos piezas muy bonitas como el Zacalot gigante y la verdad que hay en esa colección piezas fetiche.

Luego hicimos también un desfile entrevista con Caronte y de ahí tengo dos o tres piezas que también me gustan mucho. Había una que era como un cisne  de hueso que era muy bonito, "comenta  Manuel".

Ahora interviene Felipe cogiendo un libro y mostrándome una foto donde estaba Naty Abascal llevando una máscara.

Felipe me comenta que ese encargo fue muy especial, ya que Naty se puso en contacto con ellos para encargarles esa máscara para una fiesta en el palacio Corsini en Florencia. Le supuso una ilusión tremenda a la vez que un gran reto. Este fue el primer contacto con ella y posteriormente han hecho otros trabajos para ella.

"Para nosotros es la mujer más elegante de España y es nuestra musa de la elegancia", comenta.

Luego tenemos de la modernidad a Rossy, que también nos ha hecho mucha ilusión hacerle cosas.

Tuvimos un gran reto con la palmera que media un metro y medio que realizamos para Rossy, fue un espectáculo verla con su fisonomía y su altura cerrando el espectáculo en el Folie. A Naty la queremos mucho igual que a Rossi, pero es que a la clienta que viene la tratamos igual  que a Naty, igual que a Rossy, igual que a la jequesa de Arabia Saudi que también es clienta nuestra. Aquí, todas las mujeres que entran por nuestra puerta son exactamente iguales.

También, el concepto que hicimos la Navidad pasada para Cristina Pedroche, nos encantó. El sombrero no dejaba de ser otro sombrero como el de Rossy de la palmera, así como un casco de vedet como un efecto explosión. Después, el corpiño era una joya, el guardainfante. Utilizamos treinta técnicas de sombrerería para hacer este traje. Evidentemente este traje no es para ponerte, algunos dijeron que era de carnaval y la verdad no nos ofende que digan que una cosa es de carnaval para despreciarla, porque en carnaval se han hecho piezas absolutamente magistrales. Este diseño se hizo para despedir el año, puede ser elegante o lo que sea pero en este caso esta señora quiere llamar la atención y el canal lo pedía.

Me muestran un libro americano "Couture Hats" donde me comentan que la portada es suya. Me hablan del mundo de los desfiles donde sacan piezas únicas y apropiadas a estos Fashion Show. En los desfiles sacamos piezas como vemos en este libro para pasarela, estos diseños no se pueden poner, es una forma de expresarse en un cuerpo que es llamativo y muy grande como el de las modelos, de esa forma hay que hacer algo espectacular para llamar la atención del espectador, porque al fin al cabo es un Fashion Show, un desfile. Entonces si es un show, vamos a dar show y a la clienta vamos a dar lo que necesita en cada momento o evento. Que este en esa fina línea entre no pasarse y no llegar. Lo justo para que la clienta esté perfecta.

¿Qué ha cambiado en vuestro trabajo como creadores desde que empezasteis hasta ahora?

Ha habido mucha evolución. Evolución e involución, ha habido de todo. Nosotros empezamos con cositas más pequeñas, aprendiendo, metiéndonos en el mundo, tocando materiales, pero, como comentó Felipe, veníamos del mundo de las bellas artes y también habíamos hecho  decoraciones efímeras para muchos sitios. No sólo tocamos materiales para sombrerería, nos gusta también la investigación. Cuanto más años llevamos, más hemos investigado y  más materiales hemos tocado. También, hemos adquirido más experiencia con las clientas y somos más delicados. Veo los trabajos que hemos realizado antes y veo lo de ahora y hay evolución. Aunque hallamos evolucionado, vemos que nuestro sello sigue presente. Aunque hagas cursos, el manejo, el trabajo  y la experiencia te da un gran desarrollo.

Por ejemplo, esta pieza con plumas la vendemos mucho, se ve en este diseño el corte. El proveedor te vende la pluma, pero luego hay que darle forma, nada que ver a cómo tu la compras. La pluma forma parte de una de las técnicas de sombrerería, que son muchas. Hemos realizado muchos cursos y es un trabajo muy duro, pero precioso.

¿Futuros trabajos de colaboración con algún diseñador o diseñadora  en sus colecciones?
Pues, tenemos un proyecto para Palomo en Madrid. Con Naty siempre estamos en contacto. Con Rossy, también. Además, hay una pelicula en HBO en la que sale un corner que está dedicado a nosotros. Concretamente en esta serie, Candela Peña, que es la más fashion de las cinco mujeres que presenta Felix Sabroso y está enganchada al mundo de la imagen, saca sombreros nuestros. También, tenemos otras películas que saldrán este año, que no podemos decir ni nombre, ni nada, que estarán nominadas para los Goya. Además, tendremos una aparición en un proyecto con nuestro gran director y hasta ahí podemos leer, porque este mundo de la confidencialidad nos corta muchísimas alas a la hora de... Pero vamos, trabajamos con grandes y una gran mujer de Italia que tampoco podemos decir nombre, será portada y bueno, cosas así.

Página web Vivas Carrión
https://vivascarrion.com/

Enlaces para ver la entrevista

https://www.instagram.com/reel/DNKuqozIYZq/?igsh=OHl4NGJ3MTZndzRo

https://www.instagram.com/reel/DNKwe3pITVP/?igsh=MXJ4emJtb3MwN2thcA==